ÚLTIMAS FRONTERAS: ANGUSTIAS BAJO CERO

Un par de películas buscando las posibilidades que ofrece el thriller, una en tono de drama social y el otro de corte más bien policiaco, se despliegan en territorios cubiertos de nieve (mientras todavía existan) que acentúan la idea de aislamiento emocional y solidario, así como la de la ambición frente a las necesidades reales y creadas . Vísperas de Navidad. Veamos.

TERROR EN LA ANTÁRTIDA
En una estación polar de investigación, una mujer policía (Kate Beckinsale) está por volver a la civilización pero el hallazgo de un cadáver la detendrá ahí para indagar qué fue lo que ocurrió: un prólogo que narra una extraña trifulca en un avión ruso cincuenta y pico años atrás, así como una serie de personajes que levantan la mano para erigirse como sospechosos, van configurando este convencional ejercicio fílmico entre tormentas de nieve y una atractiva apuesta visual.
Dirigida por Dominic Sena (60 segundos, 00; Swordfish, 01), Terror en la Antártida (Whiteout, 09) juega un poco con la idea de tomar la ruta del thriller con elementos sobrenaturales y con la estructura de angustia claustrofóbica, definiéndose entre el formato de teleserie y mayores ambiciones argumentales: el objeto de la narración nunca alcanza a ponerse al nivel de la puesta en escena y de la construcción tanto auditiva como visual, es decir, de la forma.
Como sucedía con las anteriores cintas del director, el armado de secuencias y los desplazamientos de la cámara son efectivos, considerando la ambientación en la que se desarrollan, pero difícilmente uno como espectador se siente parte de las dificultades de la indagadora o alcanza a recordar a algún personaje: los diálogos son rutinarios y de pronto no es difícil adivinar por donde va la jugada, sobre todo si se toma en cuenta que quien esto escribe usualmente falla en sus dotes adivinatorias.

RÍO HELADO
En la frontera de Nueva York y Quebec predomina el hielo. Es el paso de inmigrantes ilegales, mientras la gente sobrevive en un entorno inhóspito. Una mujer se ha quedado sola con sus dos hijos: un adolescente y un niño, cuyo padre adicto al juego se fue con los ahorros de la familia destinados a cambiar de casa. Otra mujer, de la comunidad Mohawk, trabaja en el bingo extrañando a su bebé, ahora bajo el cuidado de su abuela: el destino coloca a estos dos seres que se debaten entre el instinto maternal y la búsqueda de un nuevo hábitat emocional.
Dirigida por la debutante Courtney Hunt, Río helado (Frozen River, EU, 08) es un drama en femenino acerca de las divisiones impuestas entre los seres humanos y la dificultad de ver con claridad –como le sucede a una de ellas- la luz al final del hielo: las decisiones de involucrarse en el traslado de personas, engañar a una anciana o incluso regresar por el bebé extraviado y recuperar el propio, pasan por dilemas reflexivos al respecto de la justificación de medios por lograr los fines.
Con momentos de angustia auténtica dada la cercanía con la que se construyen los personajes, la cinta se desarrolla a partir de una cámara realista que muestra los sucesos en la intimidad y su contexto: interminables territorios de nieve indiferente, de belleza contrastante y de un simbolismo casi explícito. La soberbia actuación de Melissa Leo se ve fortalecida por la de Misty Upham y por la del resto del reparto, incluyendo los personajes juveniles.

LUCES Y CENIZAS TARDÍAS

Dos hombres en proceso de transformación vital por eventos que en apariencia traerían acercamientos a la felicidad: no siempre lo que deseamos es lo que nos aproxima a ella. Cortesía de dos directores fundamentales de nuestros tiempos que muestran cómo se puede asumir un estilo y un enfoque, sin caer en el facilismo de la fórmula o el autoplagio.

LAS CENIZAS DE LA LUZ
Un largo anhelo cumplido se convierte, paradójicamente, en una prueba difícil de comprender. Un profesor y poeta ciego por accidente infantil, parece estar habituado a la oscuridad gracias a la luminosidad de su pequeña hija, al apoyo de su esposa y al amor materno. Cuando la luz vuelve a sus ojos, toda su realidad se trastoca: la presencia de una joven fotógrafa, sin ella saberlo, se irá convirtiendo en un motivo de agitación de las aguas, un poco como se simboliza en el juego inicial con las varitas que navegan por el pequeño río.
Dirigida por el sensible Majid Majidi (El canto de los gorriones, 08; Baran, 04; Los niños del cielo, 97; El padre, 96), Las cenizas de la luz (Irán, 05) transita entre la filosofía y la poesía colocando a un hombre frente a una nueva oportunidad para apreciar El color del paraíso (03), acaso sin haberse percatado de que esas tonalidades se ven hacia dentro, justo donde se asienta el alma. Paradójicamente, el feliz equilibrio ha quedado roto y tanto sus relaciones personales como su desempeño laboral sufren una drástica modificación.
Cargada de secuencias de emotiva sencillez con su consecuente carga referencial (el anillo extraviado, la recepción en el aeropuerto, la mirada en el espejo, el regreso al sitio sombrío) la historia se desenvuelve en un tono de contraste anímico: de la compañía afectuosa en los campos nevados o primaverales, a la desesperación absoluta, cuando la luz interna se ha vuelto ceniza como la quema de textos escritos y gráficos, esparcida por el patio invisible o el fango de la soledad.

LUCES AL ATARDECER
Un guardia de seguridad atrapado en sus rutinas lejos del sol y cerca de la fría oscuridad se convierte, de pronto, en el interés romántico de una mujer. Como sucedió en la posterior El vigía (Frank, 07), nuestra víctima acaba formando parte de un plan criminal cuya intención será cargarle toda la culpa: una vida de ausencias emocionales parecería campo propicio para convertirse en chivo expiatorio.
Dirigida por el satírico social Aki Kaurismäki (Ariel, 88; La chica de la fábrica de cerillas, 90), Luces al atardecer (Finlandia-Alemania-Francia, 06) es un recuento de las sombras existentes en los países nórdicos, siempre lidereando listas de estándares internacionales, que tanto ha trabajado el director de las espléndidas Nubes pasajeras (96) y Un hombre sin pasado (02), integrantes de lo que se ha considerado una trilogía junto con la que acá se comenta.
Están presentes, aunque quizá no en toda la brillantez de anteriores trabajos, los característicos toques de humor negro, el enfático uso del encuadre y, desde luego, el determinismo que tienen las estructuras sociales sobre el individuo, siempre presa no sólo de sus propias dudas, temores e incertidumbres, sino también de una especie de predestinación social.

ASUNTOS DE FAMILIA

Películas de la vigorosa cinematografía francesa en la que conviven leyendas con promesas, alrededor de los misteriosos vínculos que sostienen a las familias, las más de las veces difíciles de asir. Como parte del Tour de Cine Francés y de las sorpresas que aún nos depara la cartelera habitual.

LIBERAR A LA FAMILIA
La historia de un hombre común (Vincent Lindon) atrapado en una situación extrema: el encarcelamiento injusto de su esposa (Diane Kruger, frágil) y la pérdida de toda esperanza legal para hacer justicia, por lo que ésta tendrá que correr por cuenta de nuestro decidido héroe que hace las veces, en forma simultánea, de papá soltero e hijo distante, a pesar del velado y silencioso cariño de su padre, las muestras de afecto de su madre y la preocupación de su hermano.
Dirigida de manera vigorosa por Fred Cavayé, Por ella (08) opta por la ruta del thriller para seguir a este hombre, a través de un fotografía en tono con la angustia y pasajes musicalizados que acompañan el trazo del plan, en su intento por rescatar a su mujer, con viaje al submundo urbano incluido que estalla desde el inicio en la pantalla, y volver a un estado de felicidad apenas mostrado por la abrupta irrupción de la supuesta justicia que, como vemos, no sólo aquí atropella derechos elementales.

SALVAR A LA FAMILIA
Tras un historial de enfermedades incurables, destierros fraternos, distanciamientos casi definitivos, disputas tanto explícitas como implícitas y secretos románticos larga y dolorosamente guardados, una familia se reúne durante la Navidad, convocada por el padre tintorero fan del jazz (Jean-Paul Roussillon), en torno a la enfermedad de la matriarca (Catherine Deneuve, imponente y distante) y la necesidad para que alguien de su progenie le done su médula ósea para salvarle la vida.
Dirigida por Arnaud Desplechin (Reyes y reinas, 04), Confesiones de familia (Un conte de Nöel, 08) transcurre en un presente herido por el pasado -esa representación de sombras chinescas- en el que confluyen personajes absortos con dificultades siempre externalizadas que dificultan la posibilidad de la reconciliación, acaso por nadie buscada pero por todos anhelada. Reparto sólido, edición atenta al conglomerado de situaciones, guión equilibrante apoyado en un score oportuno y una cámara que se mantiene en el drama continuo de la familia pero que se atreve a escapar mientras el padre cohesionador convierte la ruptura en momento poético.

ENTENDER A LAS FAMILIAS
Un niño no cumple con las expectativas deportivas de su padre e imagina a un hermano que sí lo consigue. Ya de adulto, se convierte en terapeuta y contará con alguna oportunidad para entenderlo. Pero hay otra historia que se quiere develar, la de la otra familia, desarrollada en el contexto de la ocupación nazi. Tres momentos interrelacionados quizá contra la voluntad, fantasmalmente regresivos, que impiden vivir el presente a todo color para apenas entenderlo en la bruma de los tonos grises.
Basada en el libro de Philippe Grimbert y dirigida por Claude Miller (La pequeña Lily, 03), Un secreto (07) es un recorrido por el drama de una familia que parece desdoblarse en un contexto histórico puntualmente detallado, con una fotografía de elegancia melancólica que atisba en las culpas, el deseo y la necesidad de comprender las situaciones presentes cual consecuencias de sucesos que permanecen en la negación. Reparto reconocible y sensible desarrollo de personajes que pronto nos comprometen con su entorno familiar.

MOBY: A LA ESPERA DE LA NOCHE ANTERIOR

De las tornamesas al reconocimiento mundial, Moby pareciera más bien un paciente de algún hospital que una estrella de rock. Ejemplo de búsqueda (casi siempre) durante su versátil trayectoria de andar pinchando y componiendo, Richard Melville Hall, descendiente de Herman Melville (de ahí el apodo) ha desarrollado vista periférica y ha sido capaz de mirar más allá del círculo. Nacido un 11 de septiembre, ahora fecha fatídica, fue de los primeros músicos del ambiente rave capaces de asomar la cabeza que, aunque totalmente rapada, ha resultado sumamente prolífica.
Más allá de la música, Moby es un activista que igual pugna por el medio ambiente que practica un estricto vegetarianismo; mantiene una comunicación directa con sus fans, se decía avergonzado por su gobierno –el de Bush- y no deja de explicitar preocupaciones varias por la aldea global en escritos aparecidos aquí y allá. Tras sentirse decepcionado por el marxismo, ha pugnado, a su estilo, por la conservación del planeta y la justicia social.
Formó parte de UBX en su adolescencia y del grupo de hardcore punk Vatican Comandos; pronto se interesó por las mezclas y por el trabajo de DJ. Sus primeras remezclas aparecieron bajo el formato de EP con el título de Go Remixes (91), tendencia que continuó en su espléndida obra homónima fechada un año después. Con un discurso antidrogas y promoviendo el acercamiento espiritual a través de Jesús, empezó a construir su andamiaje conceptual que combinaba con su propuesta musical.
Después de Early Underground (93), Ambient (93) con fuerte influencia de Brian Eno y el EP Move (93), aparecería su primera obra maestra: Everything Is Wrong (95), catalogado por SPIN como el último disco suburbano, en el que convivían el punk y el dance, el tecno y el hardcore. Este trabajo se convertiría en uno de los imprescindibles de la década pasada y lo daría a conocer más allá de los clubes y circuitos especializados en la música electrónica, vieja en edad pero novedosa en su alcance.
En un periodo de transición después de esta magna obra, se dejaron escuchar el agresivo Animal Rights (96), su favorito sentimental, y I Like Scores (97), trabajos que consolidaban su declaración de principios en torno a sus perspectivas ideológicas y que, dadas las expectativas generadas, no recibieron la atención merecida, aunque ahora han sido revaloradas en su justa dimensión.
Con Play (99) la rendición fue total. Cargado más hacia la música negra (gospel, blues) con las características incursiones de los sintetizadores, este álbum le mereció al pequeño geniecillo la admiración de los más reticentes. Porcelain sonó en todos los rincones del planeta, sobre todo por formar parte del soundtrack de La playa, la cinta más endeble en la filmografía del gran Danny Boyle.
Siguió el álbum titulado 18 (02), producido totalmente en casa con un espíritu de mayor introspección, no obstante alguna intromisión glam. Propugnador del libre pensamiento, enfoca sus baterías hacia la combinación, una vez más, de tonalidades negras con suaves sintetizadores enfocados más hacia la creación de atmósferas que a llevar el peso melódico.
Ya un poco alejado de los reflectores, presentó Hotel (05) acaso su trabajo más convencional pero sin duda altamente disfrutable. Como ese espacio de encuentros furtivos, complicidades inesperadas, hogares efímeros y rupturas definitivas, en donde se da cita lo público con lo privado, el disco transita por terrenos conocidos, sembrados con logradas melodías pronto identificables e instrumentación apenas necesaria, recordando cierta luminosidad perdida de los ochenta.
Vendría un díptico quizá involuntario: por una parte, Last Night (08), cual recorrido por diversas facetas de una noche de fiesta en distintos tipos de clubes y pistas de baile y, por la otra, Wait For Me (09), como un despertar armonioso tras la aventura nocturna, en el que predomina la instrumentación y los espacios para revisar, en compañía de varias voces femeninas, los sucesos más significativos del tramo recorrido.
Moby espera por nosotros desde la noche anterior: martes 6 y miércoles 7 en el José Cuervo Salón del D.F.; el jueves 8 en el Teatro Diana de Guadalajara y el sábado 10 en Escénica de Monterrey.