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MUTEK 2014 / CERVANTINO

26 octubre 2014

CERVANTINO Y MUTEK.MX 2014

Ambos festivales coinciden en tiempo y, en algunos casos, en espacio y cartel. En cuanto al Mutek y de acuerdo a su página de Internet, esta gozosa celebración en la que se encuentran el arte y diversas tecnologías informáticas “es una plataforma para la diseminación y el desarrollo de la creatividad digital en el sonido, la música y las artes audiovisuales.” En su undécima edición en nuestro país, el festival originario de Canadá es uno de las principales festividades sonoras que abren horizontes de nuestra experiencia estética. Revisemos algunos de los ilustres invitados, empezando por quien también se presenta en Guanajuato.

PANTHA DU PRINCE

El alemán bautizado como Hendrick Weber se presenta tanto en el Festival Cervantino como en el Mutek. Sus andanzas incluyen proyectos como Glühen 4 y Panthel, aunque su carta de presentación más conocida es Phanta du Prince, apostando por la búsqueda de elementos mínimos para generar sensaciones tanto íntimas como con un cierto halo de misterio, a partir de una vertiente tecno pero apostando por recursos acústicos.

Tras la publicación de algunos sencillos, se presentó al mundo con Diamond Daze (2004), retomando cierta línea de los grupos que se veían a los zapatos mientras saturaban el ambiente con interminables y traslapados sonidos de guitarra que marcaron tendencia a finales de los ochenta y principios de los noventa, pero atisbando hacia el hábitat del minimal techno, tan absorbente como detallista.

Unos sencillos más antecedieron a This Bliss (2007), su segundo largo en el que potenció su imaginación para el ensamblaje sonoros; le siguió Black Noise (2010) con invitados de lujo como Noah Lennox de Animal Collective, banda cuyos cortes, junto a los de otros compañeros de batalla electrónica como Four Tet, sirvieron de materia prima para XI Versions of Black Noise.

Ahora anda por nuestras tierras para compartir Elements of Light (2013), una colaboración con el grupo noruego The Bell Laboratory, en el que sobre una base tecno se despliegan evocativos timbres de campanas que juegan con una tensión soterrada que se plantea como relajación en tiempos convulsos, en donde predominan los elementos de la oscuridad.

ELECTRÓNICA DE AVENTURA

Oneohtrix Point Never (OPN) es el principal proyecto de Daniel Lopatin, aventurero digital originario de Brooklyn que gusta de samplear con influencias varias, que van del ambient al sonido setentero de fusión entre el soul, jazz y rock pero con un sonido de completa actualidad electrónica. Empezó con su proyecto Infinity Window y con el trío Astronaut. Ya como OPN debutó con Betrayed in the Octagon (2007), a manera de viaje por las estrellas y más allá, acaso convirtiéndose en una odisea espacial.

Vendría un año prolífico: después de la compilación Rifts (2009), presentó Russian Mind (2009), con cortes de cinco años atrás acerca de un cosmonauta, en tono de ópera espacial; Young Beidnahga (2009), integrado por tres piezas y Zones Without People (2009), conformado por tracks ya grabados con anterioridad pero tratados de manera más onírica. Returnal (2010) inicia con un ruidismo que pareciera buscar algún tipo de sintonización radial, para después sumergirse en una red subterránea de perceptibilidad elíptica con metálicas vocalizaciones.

Replica (2011) es una de sus obras centrales y la que le significó un mayor reconocimiento más allá de los circuitos estrictamente electrónicos avant-garde. Si tu reflejo puede ser una calavera, entonces conviene que salgas y entres de un improbable escenario nocturno en el que predomina una lógica de lo inesperado, tanto en ediciones como rítmicas.

Mutek 2014 1Firmó con su nombre el fascinante Instrumental Tourist (2012), en complicidad con Tim Hecker, otra figura clave de la música electrónica contemporánea. Siguiendo la estela del patriarca Brian Eno, estamos ante una obra que se desenvuelve a partir de un fondo ambient sobre el que se van editando sonidos y voces de inquietante estructura, engañosamente relajadas como si estuviéramos iniciando un recorrido por la montaña mágica, por aquello de la referencia a Thomas Mann.

R Plus Seven (2013) nos remite de inmediato a la estética tecladista de tiempos pasados que se resisten al olvido, aderezada por efectos sonoros que le brindan un halo imperecedero. Se presentará con el artista visual Nate Boyce, con quien presentó  en el 2013 en el MoMA, R Plus 6/Affect Index, una colaboración multimedia de imágenes y sonidos tan abstractos como absorbentes.

Originario de Manchester, Andy Stott debutó con Merciless (2006), en el que ya mostraba su tendencia a explotar un tecno con embarradas dub, engarzado con un house de estética siniestra, que nos captura desde los propios temores, dejándonos en la soledad de la pista para enfrentarnos a nuestros propios fantasmas. La compilación Unknown Exception (2008) transcurre pausada y tétricamente, como la anomalía oculta que termina por confirmar la norma.

Grabó el sencillo Night Jewel (2009) y presentó doblete un par de años después: Passed By Me (2011) y el EP We Stay Together (2011), evolucionadas propuestas que profundizaban en el tono lúgubre y amenazante. Con la colaboración de Alison Skidmore, Luxury Problems (2012) arranca con espectrales y reiterativas vocales femeninas, cual canto de sirenas digitales ante las que podemos reaccionar como Ulises, Orfeo o Butes, de acuerdo a la bella reflexión de Pascal Quignard: entregarnos al impulso erótico, neutralizarlo o renunciar a él en aras de volver a lo conocido.

Junto con Miles Whittaker (Demdike Stare), otro mago de la experimentación, integró el grupo Millie & Andrea, usando sus respectivos alias en clave femenina, y produjeron varios sencillos desde el 2008, hasta que concretaron un larga duración bajo el título de Drop the Vowles (2014), reeditando algunos de los cortes anteriormente entretejidos A footwork y aceleración. En puerta está el álbum Faith In Strangers (2014).

ELECTRÓNICA CON AROMA A MAPLE

Originario de Toronto, el productor David Psutka es bien conocido en los círculos de música enchufada como Egyptrixx, vehículo alquimista para poner en marcha mezclas arriesgadas que pueden combinar el garage con el ambient y apuntes de electrónica: al subgénero se le ha llamado ghettotech, sustentado en las propuestas generadas en la escena de Chicago y Detroit al cierre del siglo pasado. Inició su trayectoria con It’s Always Places Like This (2008), lanzando digitalizaciones a partir de estos marcos sonoros con algunas versiones en clave dub de sus propios cortes.

Siguió con los EP’s All That Jelly (2009), Battle for North America (2010), The Only Way Up (2010) y Liberation Front (2011), hundiendo las notas en trances  de mayor gravedad. Bible Eyes (2011) se orientó más al techno con patrones reconocibles. Después de formar Hiawatha, dueto que produjo el álbum Language (2012), grabó el sugestivo A/B Til Infinity (2013), en efecto funcionando como un viaje de estratos sonoros inacabados, apenas interrumpidos por algunos teclados de engañosa dulzura, como si uno anduviera con robóticas compañías de las que no se sabría qué esperar. Al infinito y más acá con los ojos bien abiertos.

Por su parte, el hábitat natural durante el siglo XXI de Deadbeat, paradójico nombre artístico del oriundo de Montreal Scott Monteith, ha sido el dub en sus diversas variantes y manifestaciones, desde su EP Tesla (2000) y Primordia (2001), LP debut de propensión ambient, muy pronto acompañado por Wild Life Documentaries (2002), en la misma línea aunque con mayor énfasis en la modificación melódica, con cierto acento político, como se advierte en las piezas sobre Israel y Palestina y hasta en la declaración de amor hacia Berlín.

Con Something Borrowed, Something Blue (2004) apostó por colocarnos en un mayor estado de tranceMutek 2014 2 casi sin darnos cuenta, para con New World Observer (2006), situarnos de manera distinta ante los eventos que suceden ante nuestros ojos: la mirada se transforma a partir del oído. Journeyman’s Annual (2007), continuó escarbando por las rutas del dubstep cual diario de campo y Roots and Wire (2008) tendió más hacia la creación de estructuras tecno. Además de sus discos, el canadiense ha participado en antologías y grabado varios EP´s.

Radio Rothko (2010) se conforma de 19 cortes que consiguen crear una convincente telaraña para aceptar quedarse atrapado en ella, gracias al manejo de los momentos anímicos y de los niveles de intensidad, así como a la puntual edición de cada una de las piezas, dejando que avancen justo hasta donde la emoción lo requiere, con reiteraciones y quiebres rítmicos que beben de la intersección creada por el dub y el techno: como sumergirse en una de los obras del genial pintor y probar los límites de su insistente bidimensionalidad rota.

La idea de una cuidada lentitud como forma de vida parece haber encontrado un buen referente musical en el espléndido Drawn and Quartered (2011), cual trabajo de orfebrería con estilos puntillosamente ensamblados, desde el ambient hasta el dubstep, pasando por apuntes minimalistas y hasta momentos de mayor efusividad. En Eight (2012) mostró más prontitud y pareció ir directo al grano, con unos beats que transitaban sin filtros y en The Infinity Dub Sessions (2014), junto con Paul St. Hilaire, aportando la ampliadora visión del reggae, confirmó que la búsqueda continúa, por fortuna.

Ghislain Poirier, después de revisitar territorios como el hip-hop durante la primera década del siglo, se ha convertido en Boundary, apelativo bajo el cual ha entregado un par de discos al mundo desde su natal Montreal: Boundary (2011) y Still Life (2014), de limpieza atmosférica y secuencias prístinas, que opta más por el desarrollo del contexto que por el impacto directo, aunque el resultado es no solo sensible sino también dirigido a la zona racional de la apreciación.

Para completar el recorrido canadiense, de la Columbia británica llega Mathew Jonson, conocido por su trabajo para Nelly Furtado, enfocado a la rítmica contagiante. Su primer disco tiene nombre de cuento de Philip Dick: Agents of Time (2011), en el que retoma algunas piezas regadas en años anteriores con nuevos tratamientos que nutren los circuitos por los que transitan las notas.

Her Burry Pictures (2013) se abre a los estados de ánimo del escucha para que sea él mismo quien le dé significado y práctica a los sonidos, ya sea levantándose para lanzarse a la pista o quedándose  en una quietud aparente para introducirse entre el tejido sonoro: también se puede tocar el cielo imaginando que se tiene cierto control sobre los movimientos corporales. Todo queda en una estampa de ella.

DESPERTAR EN AUSTRALIA

Con Aurora (2014), el treintón originario de Melbourne Ben Frost, ha entregado uno de los discos del año, pletórico de texturas complejas e imprevisibles que cuando anuncian una cierta calma para disfrutar del paisaje, se lanzan ataques demoledores y crispantes, provenientes de crescendos subterráneos, como si se estuviera en el espacio exterior sin tener plena conciencia de ello: o pareciera una descripción geográfica de la gran isla o pequeño continente, donde la evolución va más despacio pero con mayor arrastre y fortaleza, como asegurándose que los cambios sucedan.

Justo cuando el calor, la luz y el sol aparecen tres componentes íntimamente relacionados, pero acaso distanciados por un punto específico de la ceguera iluminadora. Debutó con Theory of Machines (2007), cercano al postrock pasado por ecos electroacústicos y se dio a conocer al resto del mundo con By the Throat (2009), impregnado de una licantropía de fuerte energía para capturar a la presa en secuencias de colmilluda construcción.

MÚSICA POPULAR EN EL CERVANTINO 3

18 octubre 2014

Seguimos trasladándonos a deliciosas tierras y tiempos remotos a través de las manifestaciones sonoras que nos visitan durante el Festival Cervantino; en esta entrega, una mirada a su vertiente femenina.

VOZ A TRAVÉS DE LOS VELOS

Se presenta la sensible cantante Abir Nasraoui, nacida en Kasserine, una ciudad ubicada en el centro de Túnez, acompañada por el todoterreno Yannis Papaioannou y el especialista en rítmicas orientales Youssef Bou-Oud, ya conocido por nosotros dada su presencia con Faiçal Kourrich y Hany Elbadry.

Un figura importante en el proceso de aprendizaje de Abir Nasraoui fue Abdelhamid Ben Iljiya, quien le aportó una amplia mirada sobre el Malouf, con toda su influencia hispana, particularmente de Andalucía, esa rica región de confluencias culturales y genéricas. Su estancia en París le ayudó a integrar estilos de diversas regiones y notable resultó su colaboración con Juan Carlos Carrasco para sumergirse en el universo del Tango: un encuentro lleno de sentimiento con base en una hibridación musical, coincidiendo en el sentido de la emotividad. Igual de brillantes han sido sus presentaciones en vivo a lo largo y ancho no solo del mundo árabe, sino ante públicos de otras latitudes dispuestos a quedar hechizados por su talento interpretativo.

AbirAdemás de cantar música tradicional con todas las de la ley, siguiendo la ruta abierta por la mítica artista egipcia Oum Kalthoum, voz clave de la canción árabe, Abir Nasraoui ha buscado expandir horizontes, como se deja escuchar en su álbum Heyma (2010), en el que interpreta canciones compuestas por Skander Guetari con las letras de la poetisa Leila El Mekki, muy cercanas a la tierra propia, a partir de envolventes cadencias que consiguen integrar y respetar la tradición pero con sabores llenos de novedad, sin caer en folklorismos descafeinados que en aras de buscar actualidad y cercanía con públicos occidentales, diluyen de más el sello de origen.

Aquí los apuntes de jazz y pop le brindan un toque melódico a los sonidos, claramente reconocibles en su esencia tunecina. Incluso se pueden advertir discretas florituras cercanas al flamenco y rítmicas prestadas del reggae. La ensalada sonora no solo se ve apetitosa, sino termina por resultar altamente nutritiva dada la puntual combinación de ingredientes que, con una base identificable, invita a sentirse parte de una comunidad planetaria en la que se valoran las maravillas de aquí y de allá, como se plantea desde el título mismo del disco.

El gran Yannis Papaioannou (no confundir con el compositor y maestro nacido a principios del siglo XX) es un multiinstrumentista de Tesalónica (Grecia) que le hará los honores a la cantante: se trata de una figura central en la difusión y desarrollo de la música oriental y de toda la región del Mediterráneo; se ha especializado en la ejecución del laúd árabe, por lo que sus aportes a las vocalizaciones de Nasraoui serán esenciales para la creación de esa atmósfera entre misteriosa y seductora.

Su trayectoria incluye colaboraciones con la guitarrista y vocalista española Amparo Sánchez; el reconocido músico turco Omar Faruk Tekbilek; el cantante y compositor sirio Haig Yazdjian, y el jazzista cubano Omar Sosa, por mencionar algunos ilustres ejemplos. En el 2004 se fue a Barcelona, en donde ha participado con grupos como 08001 y la Orquesta Árabe de esta ciudad; formó su propio trío y contribuyó a la conformación de las bandas Asíkides, Yacine & the Oriental Groove y Transadélica.

Para redondear el conjunto, estará presente el percusionista Youssef Bou-Oud, de quien ya comentamos en la anterior entrega, que seguramente aderezará el concierto con el sustento rítmico de ecos ancestrales para profundizar en las intenciones hipnóticas de las canciones propuestas. El momento de profunda emoción, extático y arrobador, conocido como Tarab en la música árabe, bien puede ser transmitido y compartido hacia públicos de otras culturas, al fin reconocidos como especie humana en las manifestaciones musicales, sean de donde sean.

VOZ A TRAVÉS DEL TIEMPO

Las cálidas vocalizaciones de Sona Jobarteh se funden en las cuerdas de la Kora (especie de arpa de 21 cuerdas), ancestral instrumento del África occidental tocado mayoritariamente por hombres de familias Griot (trovadores), que ha encontrado en esta intérprete una renovación de sus sonidos, tal como se deja escuchar en Fasiya (2011), álbum que transcurre como un río de agua cristalina, refrescante y vivificadora, a través de una tierra llena de historia, dolor y aún esperanza.

Con perspectiva de género, se trata de un canto al amor y la pérdida, al valor de la vejez y la infancia, asíSona como a la importancia de la herencia, la propia historia comunitaria y del patrimonio, tal como se expresa desde el título mismo. La rítmica pausada se entrelaza con la voz principal y con un conjunto de coros que parecen deslizarse por las cuerdas de la Kora, convencidos y sensiblemente compartidos.

Compositora, intérprete, multiinstrumentista y productora, empezó a rasgar cuerdas desde los cuatro años y se formó en el Reino Unido. Es prima del célebre Toumani Diabaté y ha colaborado con reconocidos nombres de aquí y allá como Oumou Sangaré, Kasse Mady Diabaté y con el ubicuo Damon Albarn y el cantante de jazz Cleveland Watkiss. Por no dejar, es integrante del grupo African Classical Music Ensemble, de prestigio merecidamente ganado.

Compuso la música para el poderoso, revelador y expresivo documental Motherland (2010), dirigido y escrito por Owen Alik Shahadah, en cuyos filmes 500 Days Later (2005) y Our Story Our Voice (2007) también aparece, y participó con sus interpretaciones en Los abrazos rotos (2009) de Almodóvar; en la emotiva The First Grader (2010) y en Mandela: el largo camino hacia la libertad (2013), ambas cintas dirigidas por Justin Chadwick.

MÚSICA POPULAR EN EL CERVANTINO (2)

15 octubre 2014

Continuamos el recorrido por algunas propuestas sonoras que se integran al Festival.

NOCHE ELECTRÓNICA ALEMANA

Género que desde mediados del siglo pasado ha encontrado en el país teutón a entusiastas exploradores tanto desde la vertiente clásica como del rock y demás subgéneros adyacentes: lugar especial tiene el Krautrock de los setenta. Ahora se presentan algunos representantes actuales que se pasean por las fiestas a deshoras para ponernos en estados diversos, según las predilecciones de cada quien.

Martin Gretschmann (a.k.a. Acid Pauli) es un inquieto músico germano que ha participado en varios proyectos como Console, 13 & God, Toxic y Heimkonsole, y grabado algunos sencillos, así como el álbum mst (2012), obra que parece un trabajo de juguetería en diminuto, con rítmicas que arrancan de manera discreta para después detenerse y dar paso a alguna otra lúdica secuencia.

Con títulos como Palomita Step y La voz tan tierna, cual homenaje a Violeta Parra, estamos ante una pequeña caja de música llena de sorpresas y sampleos inesperados que transcurren sobre una lógica de la reiteración como fondo. En Get Lost V (2012) propuso una serie de mezclas sobre composiciones de otros artistas. Uno de sus aportaciones más importantes es la que ha brindado a través de The Notwist, banda que ha recorrido una nutrida variedad de estilos roqueros.

Debutaron con el punketo The Notwist (1990), seguido de Nook (1992), más orientado hacia el hardcore de tendencia renovada y de 12 (1995) en el que empezaron a insertar mayores aromas electrónicos con dejos de grunge. Vendría una etapa de mayor compenetración con Shrink (1998), álbum confeccionado con una base pop que navega entre el postrock y la estética indie, más acentuada en el brillante Neon Golden (2002), ya con una orientación de más digitalismo.

Tras un silencio de seis años, volvieron a la carga con The Devil, You + Me (2008) y con el soundtrack para el intenso filme Sturm (2009), dirigido por Hans-Christian Schmid. Recién desempacado está Close to the Glass (2014) como para acercarnos a otro tipo de lente y generar otras perspectivas acerca de una realidad cambiante, como su propia trayectoria. Se trata de una obra cercana a un folk pasado por la electrónica, con rítmicas subrepticias, de pronto contagiantes, como agarradas con alfileres.

ALREDEDOR DEL MEDITERRÁNEO

El violinista marroquí Faiçal Kourrich (Tánger, 1971) es todo un músico de sesión que también gusta de acompañar a otros artistas en sus giras. Empezó a estudiar desde los siete años en el conservatorio de su ciudad natal, donde formó parte de la orquesta Ben Batouta de Tánger a finales de los ochenta. Se integró a la Orquesta Andalusí de Tánger y anduvo rolando por España, mientras formaba una agrupación en Marbella junto con su hermano y colaboraba con varios artistas árabes y turcos, también contactados en su estancia en Bélgica, a mediados de los noventa.

En las fronteras del nuevo milenio, colaboró con diversos autores en España, Francia y los Países Bajos, revisitando géneros musicales que ahondan en las raíces con toques de modernidad: su participación se fue haciendo cada vez más solicitada, tanto por cantantes españoles como argelinos y marroquíes, no solo como intérprete sino también como arreglista, dada su notable sensibilidad para la armonía e integración de estilos. Sabe compartir escenario con artistas locales y con superventas, como cuando acompañó a Shakira en el festival Rock in Rio en Madrid.Faical

Grabó junto con Juan Peña “El Lebrijano” la obra Puertas abiertas (2005), cuyo título resulta sumamente descriptivo para el sentido del disco: el nervio contenido del flamenco invita a los espíritus sonoros de la otra orilla del Mediterráneo para que se fundan en una cautivante propuesta, que resulta de la invitación de imbricarse en una especie de canto a la cotidianidad. Ya había colaborado con este cantaor en sus discos Casablanca (1997) y Lágrimas de cera (1999). Durante los años recientes ha continuado participando en discos y giras con una notable diversidad de artistas de orígenes varios.

Ahora viene muy bien acompañado por el flautista Hany Elbadry (Kuwait, 1976), quien se ha especializado en el ney, una especie de tatarabuelo ancestral de la flauta, muy utilizada en la región del Medio Oriente. Su traslado a Egipto en 1993 resultó determinante en su inclinación artística, aunque fue a completar sus estudios en comercio, si bien después entró de lleno al mundo de la música.

En un sentido, se trata de un arqueólogo musical que nos permite trasladarnos a épocas lejanas en el tiempo pero que pronto se pueden volver reconocibles, gracias al amplio registro que posee este intérprete en cuanto a instrumentos de viento se refiere, de hoy, ayer y antier. Ver el sentimiento con el que se apropia de este alargado instrumento de viento, logrando expandir sus sonoridades, puede representar toda una experiencia de alcance espiritual.

Para complementar el trío, contaremos con la presencia del percusionista marroquí Youssef Bou-Oud, quien empezó a desarrollar sus habilidades rítmicas en su tierra de la mano de su familia, alimentándose de los sonidos propios de su cultura. Se formó en el Conservatorio de Música de Tetuán, y ha pertenecido a la orquesta Ibn Batouta, muy conocida por aquellos lares. Sus aportaciones, como buen músico de sesión, se han dejado escuchar con un importante número de reconocidos músicos de Marruecos y Jordania, entre otros territorios.

Una prometedora experiencia estética la que nos depara al escuchar a estos tres grandes intérpretes cuyas interacciones pueden convertirse en nutritivo alimento para el alma.

MÚSICA POPULAR EN EL CERVANTINO 1

13 octubre 2014

Diversidad sonora que inunda Guanajuato, además de las muchas otras actividades que hacen de octubre un mes diferente en nuestro Estado. Un breve recorrido por las propuestas musicales que se insertan aquí y allá, provenientes de lugares tan mágicos como sus artísticos embajadores. En el programa se le llama Música del mundo, etiqueta derivada de la World Music sajona, para clasificar a todo sonido con aires extranjeros. Pero mundo solo hay uno.

UN ACORDEÓN PARA ROMPRE EL HIELO

Directamente de Finlandia y ya ciudadano, justamente, del mundo, Kimmo Pohjonen (1964) ha transitado por varios caminos estilísticos que van del rock al jazz y de ahí al folk, profundizando en la música tradicional de su tierra a partir del acordeón, su instrumento distintivo que empezó a tocar desde que tenía diez años, gracias a una saludable influencia paterna: tuvo el tino de combinar sus estudios en el Conservatorio de Helsinki y en el colegio de artes Bagamoyo de Buenos Aires, ciudad en la que este instrumento es parte de la personalidad urbana.

Después de formar parte de los grupos Ottopasuuna e Ismo Alanko Säätiö, de folk y rock respectivamente, inició su trayectoria solista con Kielo (1999), en el que apuesta por el distintivo contraste entre los apuntes electrónicos de atmósferas sinuosas y el efluvio del acordeón, trasladándonos a épocas indefinidas pero particularmente reconocibles, incluyendo esas intensas vocales que parecen empalmarse con las notas producidas por unos veloces dedos que se funden en rítmicas incesantes o bien en parajes con mayor desolación.Kimmo

El milenio empezó de manera creativa con Kluster (2002) y Kalmuk (2002), compartiendo una propuesta más contemplativa con el oriundo de Etiopía Abdissa Assefa; Samuli Kosminen con su habilidad para la yuxtaposición sonora y la orquesta Tapiola Sinfonietta, a la que acompañó en el show mágico-msucial Kalmusikkisin Fonia durante el 2000. Vendría después el arriesgado Uumen (2005), en colusión con Eric Echampard y tendiente a estilos más cercanos al jazz de vanguardia, la improvisación creativa y el folk alternativo.

Durante los años noventa produjo tres discos bajo el dueto Pinnin Pojat con Arto Jarvela, personaje clave del circuito folk escandinavo, y participó como integrante de la banda progresiva KTU, al lado de Trey Gunn y Pat Mastelotto, quienes formaron parte de una de las encarnaciones de King Crimson, y del colega habitual Kosminen, con el que comparte el gusto por la electrónica husmeadora, firmó los álbumes 8 Armed Monkey (2005) y Quiver (2008). Además, comparte saberes vía la docencia en la academia Sibelius.

Junto con Kosminen y la presencia del reconocido Kronos Quartet, grabó Uniko (2011), en donde la fuerza de las cuerdas le confiere al acordeón una sólida base para proyectarse por ambientes de intrigante belleza, enfatizada por una subyacente electrónica. De pronto uno se puede sentir en alguna calle parisina del siglo XIX o en un salón retrofuturista de sensaciones tan galopantes como inciertas, por momentos cargadas de misterio. Con Heikki Laitinen, presentó Murhaballadeja (2012), enclavado en un folk de elocuente oralidad. Uno se siente en alguna secuencia de un filme dirigido por Aki Kaurismäki.

LA MÚSICA GITANA COMO ASUNTO FAMILIAR

En una zona donde se agolpan y entremezclan sonidos y estéticas de oriente y occidente, conviene estar con las orejas y la sensibilidad siempre a punto. Pareciera ser una zona donde el viento se detiene a esperar ser convertido en sonidos provenientes de una especie de alma colectiva, en la que se agrupan diversas emociones con necesidad de expresarse efusivamente, como si de un conjuro ancestral se tratara.

Hacia finales de la década de los ochenta, el trompetista de origen serbio Boban Marković  (1964), formó una banda para expresar la riqueza de la música gitana, particularmente desde sus raíces romaníes provenientes de la India, sin olvidar del todo las múltiples ramificaciones y encuentros que ha tenido con otros estilos populares (flamenco, jazz, folk, rock). Álbumes como Hani Rumba (1997), Zlatna Truba (Trompeta de oro, 1998), Srce Cigansko (Corazón de gitano, 2000), Millenium (2000) y Bistra Reka (2002) allanaron el camino para la explosión a partir de los primeros años del nuevo siglo.

El asunto adquiere el matiz de empresa familiar cuando su hijo se integra en el 2002 al clan sonoro para dar forma a la Boban & Marko Marković Orchestra, mismo año en el que grabaron el efervescente Live in Belgrade, una de sus mejores demostraciones en pleno escenario; posteriormente, produjeron Boban i Marko (2003), título indicativo de que el asunto queda en familia, y el pasional Boban I Marko Balkan Brass Fest (2004), todo un homenaje a estas tierras que tanto sufrieron en los noventa, cuando Yugoslavia se desmembraba dolorosamente.

Boban i MarkoVendrían después los continuistas The Promise (2006), Go Marko Go! Brass Madness (2007) y Devla: Blown Away to Dancefloor Heaven (2009), elevando la pista entre la nubes, para dar paso a una curiosa grabación cual batalla de las bandas en tono western: Balkan Brass Battle (2011) confronta a la banda de padre e hijo contra (es un decir) el grupo rumano Fanfare Ciocărlia: lo mejor del duelo es la forma en la que ambos contendientes expanden sus fronteras hacia otros géneros como la música judía o hasta el tema de James Bond. Una buena síntesis se puede escuchar en el recopilatorio Golden Horns – The Best of Boban i Marko Markovic Orkestar (2012).

Demostrando efusividad creativa, presentaron Gipsy Manifesto (2013), en el que el tono festivo y celebratorio se desparrama por todas partes, con buenas dosis de armonías lúdicas conducidas por la multitud de instrumentos de viento que se confabulan para no dar respiro a las intenciones quinestésicas del respetable, ya atrapado en un ritmo que no suelta a su presa. Inevitable sentirse como algún extra en una película de Emir Kusturica, con quien estos entusiastas aparecieron en El sueño de Arizona (1992) y Underground (1995).

CORONA CAPITAL 2014

5 octubre 2014

Un breve recorrido, reloj en mano, del cartel que se presenta en el Festival de rock más importante de nuestro país el día sábado en el escenario Corona.

DEAFHEAVEN (13:30 – 14:10)

Desplazándose por los duros ambientes del black metal con intensos toques de experimentación, este dueto formado por George Clarke (vocal) y Kerry McCoy (guitarra), mutó en quinteto para grabar Roads to Judah (2011) su álbum debut integrado por cuatro prolongados y exhaustivos cortes. Los originarios de San Francisco, volvieron a trabajar en pareja y, junto con el baterista Daniel Tracy, alcanzaron el cielo a través del poderoso y emotivo Sunbather (2013), quizá el disco del año dentro del género. Ideales para destapar orejas. El que tenga oídos para oír…

THE JULIE RUIN (14:50 – 15:30)

Macizos guitarrazos, electrónica casera y la reconocible voz cargada de punketa energía reivindicadora, con rítmica básica para dejar que sea la orientación feminista, con sus cargas de intensidad, quien tome el protagonismo. Liderado por Kathleen Hanna, experimentada riot grrrl fundadora de Bikini Kill, el proyecto inició con Julie Ruin (1998), debut que representó la continuidad de la propuesta ya explorada en anteriores agrupaciones, con espacio para la fiereza e ironía por partes iguales.

Después de darle vida a Le Tigre, volvió a conformar el grupo The Julie Ruin en Nueva York durante el 2010 para grabar la canción Girls Like Us como tarjeta de re-presentación y declaración de principios, en la que participó el artista intersexual Vaginal Davies. Junto con el músico de cabaret Kenny Mellman, Carmine Covelli, Sara Landeau y la vieja cómplice Kathi Wilcox, grabó Run Fast (2014), ampliando el espacio para los juegos electrónicos y la diversidad estilística (surf, pop), por momentos desconcertante, dados los antecedentes, pero al fin enriquecedora.

THE GHOST OF A SABER TOOTH TIGER (16:10 – 16:50)

Sean Lennon y su novia, Charlotte Kemp Muhll, decidieron dar un paso en su relación y formar este grupo que tuvo sus primeros frutos un par de años después, bautizados como Jardin Du Luxemburg (2010), de indudable amabilidad carioca y Acoustic Sessions (2010), también como para amenizar los momentos familiares. Otro pequeño llegó en forma de EP y fue llamado La Carotte Bleue (2011), funcionando como antecesor de su consentido, el psicodélico Midnight Sun (2014), confirmando que el mejor plan familiar es andar de viaje.

BEST COAST (17:30 – 18:10)

Dentro de la corriente conocida como lo-fi, donde la naturalidad es buscada más allá de artilugios, y retomando el rock sesentero que evoca las piruetas sobre las olas, este californiano dueto mixto formado en el 2009 por Bethany Cosentino y Bobb Bruno, debutó con el EP Where the Boys Are (2009), para sorprender con la contundente simpleza de Crazy For You (2010), en el que demuestran, a partir de varias joyas enterradas en la playa, que el desamor también tiene su filo humorístico y que el mundo sigue aunque el sol deje de brillar.

Como para estar en la costa californiana y atestiguar los ecos actuales que resuenan en la puesta inesperada del sol. The Only Place (2012) optó por enclavarse en un pop reconocible más pronto que tarde, puliendo la producción y enfatizando el cuidado en la melodía; diferente a su predecesor pero disfrutable en similar proporción.

LITTLE DRAGON (19:10 – 20:00)

Directamente desde Gotemburgo, aparece este cuarteto de pequeños escupefuego (lo de pequeño solo aplica a la cantante), dispuestos a romper el hielo con su synthpop de contagiante manufactura, aderezado con un poco de R&B y aroma indie. La vocalista y percusioanista Yukimi Nagano, el tecladista Håkan Wirenstrand, el baterista Erik Bodin (Drums), y el bajista Fredrik Källgren Wallin, integraron la banda en 1996 para debutar tiempo después con Little Dragon (2007), seguido de Machine Dreams (2009) que hizo honor a su nombre ampliando el espectro onírico y de varias colaboraciones con gente como Gorillaz y SBTRKT.

Ya más conocidos en las afueras de Suecia, produjeron Ritual Union (2011), álbum que incorporó sonidos más cercanos al funk sin dejar de lado la electrónica, combinación que funcionó en buena medida por el contraste entre ambas tendencias. Ahora nos visitan con Nabuma Rubberband (2014), llamado a ser uno de los discos del año y en el que se aprecia una consolidación de su propuesta, con precisos sonidos de gélidas y cercanas proporciones, si cabe la paradoja.

ZEDD (21:00 – 22:00)

Anton Zaslavski, el joven veinteañero alemán que se diera a conocer con una mezcla de Skrillex y de otros nombres conocidos en el universo pop, demostró que también sabe configurar álbumes propios como lo demuestra en Clarity (2012), buscando la luminosidad necesaria en los beats para convertir la pista en un hábitat que favorezca una convivencia kinestésica, contando con la compañía de invitados ilustres como Ryan Tedder, Foxes y Ellie Goulding.

JACK WHITE (23:00 – 00:30)

Figura capital del rock postmilenario, firmó Blunderbuss  (2012), primera obra con su nombre para convertirla en un clásico instantáneo, con una guitarra de versatilidad absorbente y el amor vuelto una arena de lucha sin límite de tiempo. Para muchos, el mejor disco de aquel año. Su segunda entrega en solitario, Lazaretto (2014), sigue más o menos los mismos patrones estilísticos, con vocales acaso más desatadas, muy bien acompañadas por las tonalidades femenina, y enmarcadas en un blues hardroquero ya convertido en sello de la casa.

SÁBADO: CORONA LIGHT

BLACK ENGLISH (14:10 – 14:50)

Este sexteto angelino tuvo que cambiar de nombre por las confusiones que su suscitaron con otras bandas. Se llamaban No y grabaron un disco titulado El Prado (que es el que tengo en mis manos). Ahora se van a llamar Black English y su disco se va a titular No (2014). Más allá de la dificultad de acomodar este álbum en la letra correspondiente, resulta una grata sorpresa por tratarse de un prometedor debut que combina un fino pop con capacidades energizantes en la línea de Interpol y The National.

CULTS (15:30 – 16:10)

Primero conocimos sus canciones y después a sus creadores, el guitarrista Brian Oblivion y la cantante de aniñada voz Madeline Follin. Pareja en todos sentidos formada en Nueva York, materializaron sus inquietudes en Cults (2011), primer largo después de algunos sencillos, al que le siguió Static (2013), que parecía desarrollarse bajo los rayos del sol a partir de un pop que se despliega con afán explorador, encontrándose con rockeras tesituras.

BLACK KIDS (16:50 – 17:30)

Típico grupo de la era Internet, también se internó por parajes de los clásicos sonidos de los ochentas con salpicadas del pop sesentero y aliento funky, construyendo una propuesta digna de exponerse en cualquier fiesta intergeneracional. Grupo mixto en género y raza, presentaron Wizard of Ahhs (2007)  y, aprovechando las redes virtuales para grabar su debut largo, el efusivo Partie Traumatic (2008), buen complemento para mantener la alegría en el fin de semana vampírico, por aquello de no querer o poder dormir de noche. Un largo silencio y ahora suena el sencillo Origami (2014), porque el show se detiene pero al final, debe continuar.

JENNY LEWIS (18:10 – 19:10)

La lideresa de Rilo Kiley nos ha regalado entregas indiviudales que se desplazan de manera natural entre el rock, el folk y el country: debutó en solitario con Rabbit Fur Coat (2006), cual preparación para el brillante Acid Tongue (2008), ya encontrando en definitiva voz propia. De regreso a la soledad, presenta ahora The Voyager (2014), uno de los mejores discos del año en el que propone un sincero recorrido por los sinsabores ineludibles que van dejando las relaciones fracturadas o de plano rotas, desde la adolescencia hasta ya entrados los treintas. Y lo que falta.

CONOR OBERST (20:00 – 21:00)

Sin Bright Eyes y Monsters of Folk, este cantante y compositor de Omaha ha construido una propuesta cercana y abiertamente sensible, tendiente a una lógica más acústica, que se empezó a dibujar a partir de Conor Oberst (2008), álbum homónimo que antecedió a Outher South (2010), grabado con la Mystic Valley Band, en plena comunión creativa y cuyo complemento se tituló One of My Kind (2012) integrado por lados B, EP´s derivados del tour y otras rarezas. En plan intimista como si se hubiera escapado de los años setenta, viene con Upside-down Mountain (2014), delicada obra que endulza e ilumina, sin empalagar aunque sí deslumbrante.

MGMT (22:00 – 23:00)

Sobre una consistente estructura sonora apoyada en el uso de sintetizadores sin perder el olfato melódico, este dúo originario de Connecticut y formado en el 2002, sorprendió gratamente con el irreverente Oracular Spectacular (2008), su primer largo tras haberse dado a conocer vía el EP Time To Pretend (05), con cierto espíritu de los Flaming Lips, aromatizado con sustancias evasivas.

Ben Goldwasser y Andrew Van Wyngarden han logrado amalgamar lances prestados de la psicodelia, el pop y el electrorock para cimentar su muy audible y actualizada propuesta, tal como quedó de manifiesto en Congratulations (2010), un segundo largo que nos lleva por senderos de mayor sicodelia, atravesando paisajes hipnóticos o de reconocible aspecto, como si de un viaje sideral se tratara pero con imágenes conocidas.

Para el 2011 participaron en el proyecto Late Night Tales, grabando un disco con sus remezclas y demostrando, de paso, su colmillo para ambientar lances nocturnos de diversa índole. Con MGMT (2013) continuaron su recorrido por una electrónica llena de pelusa en el que todos cabemos, entre alivianes a mitad de la banqueta al lado de algún alienígena y una tristeza de la buena, aunque la vida sea una mentira.

Corona capital 2014SÁBADO: DORITOS

La cantante danesa Karen Marie Ørsted, conocida como MØ que se diera a conocer por su contribución vocal con Avicci, abre al filo de la tarde este escenario con su pop electrónico de influencias ilustres. No Mythologies to Follow (2014) es su ecléctica tarjeta de presentación, con salpicadas de hip-hop, aires sesenteros y una electrónica que ante la dificultad de seguir los grandes relato, habrá que reinventarse.

El cuarteto originario de Nueva Jersey conocido como Real Estate, integrado por viejos cómplices preparatorianos que han tocado en otros grupos, se desempeñan en los terrenos del rock con aroma indie como se puede verificó en Real Estate (2009) se primera obra; el proyecto continuó con Days (2011) y se consolidó con Atlas (2014) se disco más redondo, mejor enfocado y producido, arriesgando con toques de psicodelia sobre estructuras melódicas de inmediata conexión. El cartel continúa con Kongos, de aliento masivo con rítmicas enfáticas que buscan movilizar grandes públicos, como se puede corroborar en Kongos (2007) y Lunatic (2014).

Después hará acto de presencia el trío escocés Biffy Clyro, en los lindes del pop y el punk buscando el resquicio melódico: activos desde el 2002, traen consigo Lonely Revolutions (2014), su más reciente grabación. Con Holy Ghost! la fiesta con ecos retrospectivos continúa sin parar. Alex Frankel y Nick Millhiser, amigos desde la infancia en Manhattan, fueron parte de un grupo de rap antes de conformar la agrupación que hoy los reúne.

Pasaron por varios momentos entre componiendo y mezclando hasta que grabaron el EP Static on the Wire (2010), obra que abriría las puertas para Holy Ghost! (2011), su homónimo debut largo que integró varios de los esfuerzos previos y algunas propuestas inéditas, entre las que se identifica una clara influencia, para variar, de los sonidos de los ochenta en pleno desenfreno guiado por los teclados y una estructura de armonía pop que no admite quietud. Vienen a presentarnos Dynamics (2013), título preciso para el efecto que produce su escucha.

DOMINGO

ESCENARIO CORONA

13:30 – 18:10

El domingo abre a las 13:30 con Charming Liars, quinteto de pop juvenil con tintes hardroqueros que ha firmado los EP´s New Disorder (2014) y We Won´t Give Up (2014), todavía buscando algún tipo de sello distintivo. Continúa el cuarteto de Austin, Texas White Denim y su rock´n´roll de sabrosa energía desparramada en Work Out Holiday (2008) y Fits (2009), obras que prepararon el terreno para el más pulido D (2011), uno de los discos del año en el que los toques de melódica psicodelia se engarzaron a la enjundia acostumbrada; para cerrar este periodo grabaron Last Day of Summer (2011) de libre acceso. Pisan el escenario con Corsicana Lemonade (2013), refrescante en sus aventuras abrasadoras.

La celebración sigue con  el DJ y productor angelino-mexicano Erick Orrosquiesta, mejor conocido como Deorro, en plena transición para convertirse en autor, más allá de sus indudables capacidades para la yuxtaposición y creación de atmósferas sonoras, como se advierte en el EP Elevation (2013), de contagiante dinamismo, tal como los múltiples sencillos que se escuchan al filo de la madrugada. Esta ronda la cierra Chvrches el trío de Glasgow que nos regaló The Bones of What You Believe (2013): pop en estado puro armado con base en sintetizadores y una voz en femenino de adolescencias clavadas con una precoz capacidad para la melodía pegajosa, sin caer en simplismos.

19:10-00:40

Ya que estamos en tierras escocesas, entramos a palabras mayores con Belle & Sebastian, formados en Glasgow hace 18 años y quienes entregaron Belle and Seabastian Write About Love (2010), su octavo disco en estudio como para recalcar que su hábitat natural es la melodía evocativa de eterna adolescencia, enmarcada en un espíritu sesentero siempre en renovación y atento a los sinsabores propios del romanticismo. The Third Eye Center (2013) funcionó como amplia recopilación de lados B de los tres discos anteriores de estudio.

Entra después a escena Haim con Days Are Gone (2013) el trio de hermanas de Los Ángeles que debutaron con la mira bien enfocada, construyendo un pop que distingue y combina influencias de las músicas negras y de algún espíritu ochentero, con Fleetwood Mac como figura tutelar; para recibir el sol californiano sin presión. Para cerrar el día en este escenario, todo queda en familia: Kings of Leon cargaron con el éxito muy pronto y en esta ocasión traen Mechanical Bull (2013) como as bajo la manga, buscando recuperar la inocencia sureña con piezas menos pensadas para el júbilo en las gradas.

ESCENARIO CORONA LIGHT

14:10-17:30

Para calentar motores abre Cut Snake (no confundir con el título homónimo del thriller australiano), dueto conformado por surfistas con aspiraciones musicales, transitando de las olas picadas al House detonador de fiestas marítimas. Le sigue Young & Sick, proyecto de Nick Van Hofwegen, artista visual holandés asentado en Los Ángeles entre cuyos trabajos se encuentran portadas para los álbumes de Robin Thicke (lo mejor de los discos, dicho sea de paso); con influencias del R&B, le entró también a la música en su disfrutable obra homónima, que tendrá a bien compartir en el festival. Para cerrar este bloque, aparece el cantante irlandés conocido como Hozier, joven con presumible capital cultural (James Joyce, Leonard Cohen) que combina acordes bluseros con un folk de sentimiento a flor de piel.

18:10 EN ADELANTE: VIENE LO MEJOR

St. Vincent es el nombre del proyecto de Annie Erin Clark, nacida en Oklahoma hace tres decenios y fracción. Atenta aprendiz en la escuela de música de Berklee, continuó creciendo artísticamente en compañía de su tío, la mitad del dúo jazzero Tuck & Patti, para después participar con Glenn Branca en una grabación e integrarse a Polyphonic Spree, grupo de pop saturado con múltiples elementos sonoros.

Antes de lanzarse al abismo creativo de la soledad, formó parte del grupo de Sufjan Stevens, uno de los grandes trovadores contemporáneos. Quizá su trabajo como repartidora de flores ahora suene a metáfora: los pétalos se han convertido en canciones de sentimientos encontrados. Con este cúmulo de experiencias sonoras, apareció Marry Me (2007) como una manifestación de sus coordinadas estilísticas, aún por pulir: estructuras pop de sorprendentes texturas y capas armónicas, letras más allá de los sentimientos descritos bajo el lugar común y una postura de inteligente desafío.

Con Actor (2009), envuelto en un halo fílmico, las cualidades vocales, compositivas y armónicas se precisaron, así como la estructura de las letras, mientras que en Strange Mercy (2011), destila confianza para expresarse de manera más abierta e intuitiva, explorando estructuras musicales más complejas, sin perder sensibilidad. Con Love This Giant (2012) en complicidad con David Byrne, consiguió explorar otros territorios sonoros de la mano del ex Talking Head, conocedor probado de cómo ampliar horizontes: el aprendizaje se plasmó en St. Vincent (2014), álbum de complejidad creciente con texturas múltiples y que es uno de los candidatos al mejor del año.

El polifacético Damon Albarn ha puesto su talento al servicio de una notable diversidad de géneros y artistas, aprovechando pero no conformándose con su condición de rockstar desde los tiempos de Blur y hasta Gorillaz. Muestra de ello son sus incursione solistas como Mali Music (2002) y el EP Democrazy (2003). Volvió a la soledad con el operístico Dr. Dee (2012) y el brillante Everyday Robots (2014), de plenitud sonora que suena renovador y clásico al mismo tiempo.

El cartel del festival sigue y sigue, con mayor amplitud que el espacio disponible.